Grožnjan: Slobodan prolaz, Freie Durchfahrt, Free passage, Passaggio libero

Svjedočimo kako su usred globalizacije granice zatvorenije – da su unatoč bržim automobilima i avionima ljudi osuđeni na samovanje. Da se umjesto ljubavi, praštanja, emocija, nude pravila, zakoni ponašanja. Da se razvojem proklamirane demokracije prava sužuju…

Eugen Borkovsky

Gradska galerija Fonticus Grožnjan / Grisignana predstavlja:
Die städtische Galerie Fonticus Grožnjan / Grisignana präsentiert:
La Galleria civica Fonticus Grisignana presenta:
petak / venerdì / Freitag, 5. IX. 2025. u 20.00 h 
Slobodan prolaz, Freie Durchfahrt, Free passage, Passaggio libero
selektirani, kolektivni, tematski, likovni projekt
ein ausgewähltes, gemeinschaftliches, thematisches Kunstprojekt 
progetto figurativo, selettivo, colletivo, tematico

Autori/ce: članovi i članice likovnog udruženja „Arbeitskreis 68“ iz Wasserburga na Innu, Njemačka

Autoren/Autorinnen: Mitglieder der Künstlervereinigung „Arbeitskreis 68“ aus Wasserburg am Inn, Deutschland

Popis autor/a/ica / Teilnehmende KünstlerInnen: Mario Aversano, Siglinde Berndt, Christa Bock-Köhler, Gabi Dräger, Rudolf Finisterre, Christoph Göpner, Silvia Hatzl, Cornelia Hesse, Džeko Hodžić, Utta Kasparek, Laura Killer, Beatrix Koberger, Robert Lang, Jutta Mayr, Manuel Michaelis, Stefania Peter, Andreas Pytlik, Josefine Pytlik, Christine Rieck-Sonntag, Markus Rittinger, Wolfgang Rösler, Petra Schunk, Hari Sedlmeier, Angelika Sobeck-Kistner, Severin Zebhauser

Kustos: Eugen Borkovsky
Selektor/Auswahl: Arbeitskreis 68
Koordinator: Andreas Pytlik

Opći predgovor projektu

   Ovaj likovni projekt događa se u nesigurnim vremenima. Već sam naslov, „Slobodan prolaz“, određen od koordinatora projekta, označuje situaciju. Ova izložba zbiva se u intervalu između perioda zrelog kapitalizma i njegovog raspada. Nameće nam se kultura konzumerizma. Mrgoditi nas uče na svaku drugačijost. Utrpani smo u vjerske, nacionalne, erotske okvire. Svaka drugačijost, individualnost je nepoželjna. Svjedočimo kako su usred globalizacije granice zatvorenije – da su unatoč bržim automobilima i avionima ljudi osuđeni na samovanje. Da se umjesto ljubavi, praštanja, emocija, nude pravila, zakoni ponašanja. Da se razvojem proklamirane demokracije prava sužuju. Imati je zamijenilo biti. 

   Svjedočimo objavljenim ili skrivanim ratnim strahotama na nekoliko strana Svijeta. Suvremena civilizacija iskonstruiranim opasnostima, uvodeći sisteme kontrole, sve više sužuje područja života. Nalazimo sami sebe u situaciji da ne živimo slobodno i komotno, već smo svedeni na održavanja, kakvog-takvog postignutog statusa. Donedavno još moguća željena isključivanja iz sistema postaju nemoguća. Osobni podaci se zlorabe, zabranjuju se druženja koja ne odgovaraju politici, a političari više nisu oni koji se brinu o stanovnicima države u kojoj su izabrani, već su promotori multinacionalnih korporacija. Imperijalizam je perfidno uklopljen u pojam globalizacije. 

    Mnogi radovi ovog postava zapravo su simboli otuđenosti i propitivanja osobnosti. Neki nude asocijacije memorije, pa sve do propitivanja počela kvantne fizike. Spoznali smo da je vrijeme nesiguran faktor za procjenu tijeka pa smo mu dodali smo prostor. Prostor i vrijeme sada su jedna cjelina (prostor-vrijeme) kojom odmjeravamo realnost. Nakon što nam je Newton izračunao gabarite grube okoline, tako nam kvanti, fraktali, bozoni, strune otkrivaju uvjetovanost sofisticiranijim prostorima od onih koje možemo zahvatiti našim mjerljivim osjetilima.

   Ovaj projekt urbano je i socijalno obilježen. Autori i autorice nude buđenje misli, od doživljene realnosti, preko konstruktivističkih, nadrealističkih objekata, do ponude osviještenja. Projekt ostavlja ponešto gorčine s obzirom na realitete okruženja. Zapravo, simbolično je na upitu transparentnost zidova u koje se pokušavamo sakriti. Estetika pre/zrelog kapitalizma nije više u mogućnosti odrediti što je realno ispravno ili lijepo. Pojavljuje se i dostupno je sve više informacija, a sve manje značenja.. Mnogi radovi evociraju konfuziju, zatvorenost, onemoćalost individue. Bespomoćnost koja iz toga proizlazi uvodi povlačenje, izolaciju, okreće nas prema sebi samima i propitivanju položaja unutar datosti trenutka.

   Ova izložba nudi mnogo načina vizualiziranja. Tu su slikarstvo, skulptura, objekt/instalacija, fotografija, konceptualni iskazi, performans… Neki od ovih radova emaniraju izvjesnu hermetičnost. Umjetni/ci/ce razbijaju dihotomiju između umjetnosti i života, koristeći često trivijalne i neupadljive materijale i vizure, transmutirajući ih u nove vizualne ponude. Oni intuitivno i djelomično analitički kompiliraju memoriju i doživljaj. Većina radova nosi prikrivene asocijacije i pozive na razmišljanja. Autori/ce likovnim sredstvima prate vlastite procese u koje poniru služeći se obrazovanjem, iskustvom, instinktom i memorijom. Umjetni/ci/ce plasiraju postavku da je svjesno i podsvjesno zapravo dio istog života, jer, ostvareni identitet je osnovno pitanje slobode pojedinca. 

  Eugen Borkovsky, 2025.  

   Allgemeines Vorwort zum Projekt

   Dieses Kunstprojekt findet in unsicheren Zeiten statt. Schon der vom AK68 gewählte Titel, „Freie Durchfahrt“, verweist auf die Situation. Diese Ausstellung bewegt sich in der Spanne zwischen der Blütezeit des Kapitalismus und seinem Zerfall. Uns wird eine Konsumkultur aufgezwungen. Wir haben gelernt, uns über jede Andersartigkeit zu ärgern. Wir werden in religiöse, nationale, erotische Rahmen gezwängt. Jede Abweichung ist unerwünscht. Wir erleben, wie inmitten der Globalisierung die Grenzen immer undurchlässiger werden – wie trotz schnellerer Autos und Flugzeuge die Menschen zur Einsamkeit verdammt sind. Anstelle von Liebe, Vergebung, Emotionen werden uns Regeln und Verhaltensgesetze diktiert. Während die Demokratie gefeiert wird, werden Rechte eingeschränkt. Haben hat das Sein ersetzt.

   Die moderne Zivilisation konstruiert Gefahren, führt Kontrollsysteme ein und schränkt die Lebensbereiche immer weiter ein. Noch vor kurzem mögliche gewollte Rückzüge aus dem System werden unmöglich. Persönliche Daten werden missbraucht, Zusammenkünfte verboten, wenn sie der Politik nicht passen. Politiker kümmern sich nicht mehr um die Bürger des Landes, in dem sie gewählt wurden, sondern sind Werbeträger multinationaler Konzerne. Imperialismus ist geschickt in den Begriff Globalisierung eingewoben. 

   Viele Werke dieser Ausstellung sind Symbole der Entfremdung und des Hinterfragens der eigenen Persönlichkeit. Manche wecken Assoziationen an Erinnerungen, bis hin zur Erkundung der Ursprünge der Quantenphysik. Wir haben erkannt, dass Zeit ein unsicherer Faktor für die Beurteilung von Abläufen ist – deshalb haben wir ihr den Raum hinzugefügt. Raum und Zeit sind nun eine Einheit (Raum-Zeit), mit der wir – wie mit dem Meter, dessen Länge jedoch keine definierte Dicke hat – die Realität messen. Nachdem uns Newton die groben Dimensionen unserer Umwelt berechnet hat, zeigen uns Quanten, Fraktale, Bosonen, Strings die Bedingtheit komplexerer Räume, als unsere messbaren Sinne erfassen können.

   Dieses Projekt ist urban und sozial geprägt. Die Künstler regen dazu an, Gedanken zu wecken – von erlebter Realität über konstruktivistische, surrealistische Objekte bis hin zu Angeboten der Bewusstwerdung. Das Projekt hinterlässt angesichts der Realitäten der Umgebung einen bitteren Beigeschmack. Symbolisch stellt sich die Frage nach der Transparenz der Mauern, hinter denen wir uns zu verstecken versuchen. Die Ästhetik des überreifen Kapitalismus ist nicht mehr in der Lage zu bestimmen, was real richtig oder schön ist. Immer mehr Informationen tauchen auf, doch es gibt immer weniger Bedeutung. Viele Werke rufen Konfusion, Verschlossenheit, Ohnmacht des Individuums wach. Die daraus resultierende Hilflosigkeit führt zu Rückzug, Isolation, einer Hinwendung zu uns selbst und zur Hinterfragung unserer Position innerhalb der Gegebenheiten des Augenblicks.

   Diese Ausstellung bietet viele Möglichkeiten der Visualisierung: Malerei, Skulptur, Objekt/Installation, Fotografie, konzeptuelle Aussagen, Performances … Einige Werke strahlen eine gewisse Hermetik aus. Die Künstler durchbrechen die Dichotomie zwischen Kunst und Leben, indem sie oft banale und unauffällige Materialien und Perspektiven verwenden und sie in neue visuelle Angebote umwandeln. Sie kompilieren intuitiv und teilweise analytisch Erinnerung und Erleben. Die meisten Werke tragen verborgene Assoziationen und Aufforderungen zum Nachdenken in sich. Die Künstler verfolgen mit künstlerischen Mitteln ihre eigenen Prozesse, in die sie eintauchen, gestützt auf Bildung, Erfahrung, Instinkt und Erinnerung. Sie stellen die These auf, dass Bewusstes und Unbewusstes Teil desselben Lebens sind – denn Identität ist eine Frage der Freiheit des Einzelnen.

O radovima/autorima:

   Mario Aversano predstavlja rad „Slobodan prolaz za slobodne umove“. Radi se o slikarskom radu izvedenom akrilom i pigmentom. Autor na zamrljanu podlogu crta/ucrtava grebanjem linijske oblike. Snažna gestualnost i disciplinirani kolor prisutni su kako na izvedbi podloge tako i na kasnijim intervencijama. Kompozicija je stabilna unatoč mnogim detaljima i približavanju oblika rubovima. Linijske intervencije nude ideju figurativnih oblika koji su nalik bićima, kako ljudskim tako životinjskim ali i sasvim apstraktnim. Pred promatračem je izazov prepoznavanja ukoliko ih uoči. Znakovi se povezuju u priču: Umjetnik uspijeva predstaviti osobni doživljaj košmara vremena koje dijelimo s njim. 

   Siglinde Berndt realizira papirnate oblike, izvedene kombiniranim tehnikama, koji asociraju na oblake. Iako umjetnica instalaciju naziva „Oblaci“, imamo moguću asocijaciju i na jastuke za udobnost uz moguće erotske asocijacije. Podloga je ostavljena bijela. Na njima zapažamo forme tijela predstavljene poput aktova. Ovlaš oblikovanja tijela ili dijelova tijela, poklapa se s papirnatom podlogom koja je plasirana kao trodimenzionalni objekt. Svakog od njih nalazimo ovješenog u prostoru. Tako su ponuđeni promatraču u prostoru. O njegovoj  hrabrosti ili opredjeljenju ovisi da li će iskazati napor gledanja i/ili na mogući nježni, fizički dodir.

   Christa Bock Köhler, kombiniranom tehnikom na platnu, na srednjem formatu realizira rad kojeg naziva “A žirafa nas promatra!”. Na slici zaista nalazimo žirafu ali i sijaset raznorodnih bića, ne baš ljubaznih spodoba. Kao iz mašte ili u ružnom snu, pojavljuje se kolekcija karikaturalno izvedenih stvorenja. Promatraču je prepušteno raspoznavanje likova. Tu su izdužene osobe, maske, lik koji nosi dijete, moguće modno pretjerane osobe, mačkoliko biće, plesačica, pa čak i ideja nekog bijelog bića s asocijacijama vraga iznad zelenog područja moguće bare, žabokrečine. Krajolik u pozadini kao da, okomicom, žutim kostimom dijeli dvije grupe. Nismo sigurni da li se radi o dva kopna, kopnu i vodi ili evokaciji energije područja. Lik u bijeloj odori kao da se trudi otkloniti pogled žirafe od ove začudne ekipe. Kao da umjetnica želi poručiti da se civilizacija na neki način raskalašila i da remeti standardan prirodni red.

   Gabi Dräger predstavlja dva rada različitih naziva. Jedan ona naziva „Besplatna vožnja“ a drugi „Putovanje na more“. Radovi problematiziraju socijalne navike i ekologiju. Oba nude začudne odnose aktera. Na jednom zapažamo dvoje mladih s bocama u ideji plesa. Tu je i lik životinje, serpentinasta linija i automobil. To nas već upućuje na problematiku odnosa (pozitivne) zabave u kombinaciji sa akcijom vožnje. Zemaljska kugla predstavljena je istim bojama, zelenom i plavom kao i prijevozno sredstvo. 

   Drugi rad kao da također želi progovoriti o ekološkim problemima. Čini nam se da se osobe naglavačke nalaze u plavetnilu, dok u zeleno – žutoj podlozi donjeg dijela slike nalazimo ribe i morski svijet, ali i potopljeni avion. Tu je i glava srndaća koja kao da začuđeno sve ovo promatra. U prednjem se planu pojavljuju tri lista (paprati) i kao da su položeni u Petrijeve laboratorijske posude. Čini se da umjetnica na neki način ilustrira kako međuljudske odnose i ekološke probleme zapažamo tek kad postanu problematični. 

   Rudolf Finistere se predstavlja s dva rada. Jedan je objekt skulpturalnih karakteristika. Drugi je trodijelna prostorna konformacija u prostoru, u ideji, obliku mobila. 

   Prvi, s nazivom „Torsio“ ima mogućnost mijenjanja oblika ali se to može događati elementima unutar zadanih gabarita, čini se, animalno određenog oblika. On je izveden izrezivanjem drvenih elemenata spajanih metalnim navojnicama. Drugi „Jellyblossom“, ima više mogućnosti promijeniti odnose svojih dijelova. On je gracilniji, značajno obojan zeleno i asocira krošnje stabala. Oba rada dodiruju ekološke situacije: nebrigu o posljedicama eksploatacije prirodnih resursa. Posebno, jer opasnost ne uočavamo na stupnju prijetnje, nego kad je šteta učinjena. 

   Christoph Göpner predstavlja digitalni kolaž kojeg naziva „East-West“. Na radu je predstavljena apokaliptična situacija. Razrušena benzinska postaja, požar, spaljena prijevozna sredstva. No, na žalost, ona nije fikcija već realnost u nekim dijelovima svijeta. Dvije osobe kao da ne primjećuju okruženje već su se, kao nekada, uputili ka prostorima marketa na benzinskoj postaji. Kao da nisu vidjeli sat na kojem je vrijeme stalo… Ovaj rad upozorava a i sami svjedočimo neljudskim postupcima moćnika, od direktnog ubijanja, uništavanja resursa pa do izgladnjivanja ljudi. Histerija potrošačkog društva, nemogućnost apsorpcije ponude i slične situacije koje kapitalizam proglašava demokratskim liberalizmom, pokazuju se ovdje u artističkom propitivanju. I sami svjedočimo divljanju interesa, vjerskih uvjerenja, zatvaranja u sve manje države koje postaju sve izoliranije.

   Silvia Hatzl nudi dvije plitke, reljefne instalacije izvedene neuobičajenom kombinacijom materijala i tehnika: laneno platno, drvo, pigmenti, koža, hrđa… Radovi asociraju jednostavne odjevne predmete u obliku slova T, poput majica ili idiličnih halji. No na njima zapažamo bogate tragove spontanih i željenih promjena, od kolora, fleka, rupa, zgužvanosti, rđe… Ova dva rada zapravo su diptih gdje se asocira početak degradacije, još uvijek određen idejom neke pozitivne emocije te drugog rada koji nudi svojevrsni dramatičan finale. Na njemu umjetnica uvodi opasan, oštar predmet sličan ostima ili vilama i postavlja ga u centar kompozicije. 

   Dramatičnost ovih scena kao da želi upozoriti, osvijestiti osobnu ali i opću degradaciju međuljudskih odnosa u suvremenom okruženju. Djelomično je na te probleme upozorio pokret Arte povera, druge polovice prošlog stoljeća, gdje su korišteni nelikovni materijali. Taj pokret se temeljio na ideji da umjetnici provociraju i napadaju nametane vrijednosti institucija vlasti, industrijsku reklamokraciju i okamenjenih vrijednosti u kulturi. Jedna od koncepcija bila je da se preskaču dirigirani umjetnički sustavi, da je Umjetnost (sve i sav/m) Život. Korištenje marginalnih, odbačenih i/ili uništenih materijala, uz ponovno korištenja ili predstavljanja, re-use metoda, upozorava nas na emocionalnu zapuštenost naših svijesti. Ona nudi ideju da, unatoč grabežljivosti kapitala, postoje nastojanja da se na vrijeme prozre i otkrije intencija profitera koji ne prežu pred uništavanjem svega što nudi ideju suživota, poštovanja tuđeg identiteta, ekonomije podjele zarade prema zasluzi a ne da ogromnu većinu prihoda pobiru vlasnici postrojenja a da realni proizvođači, radnici ostaju gladni i obespravljeni. Umjetnica svjedoči i nudi upozorenja. Ona dramatično plasira propitivanje pojma empatije.  

   Cornelia Hesse jednostavnim načinima i sredstvima oblikuje dva prostorna rada. Jednog naziva „Plesači iz različitih svjetova“, a izvodi ga od žice i akrilnog stakla. U malom, transparentnom prostoru ona savijanjem formira žice različitih boja: crne i crvene. Od crvene kao da oblikuje žrtvu dok crna djeluje agresivno i kao da napada crvenu žičanu konstrukciju. Iako u naslovu nalazimo pojam plesači, oblici savijanja i kolori asociraju na grublje radnje. Dramatika je postignuta oblikovanjem i bojama materijala. 

   Drugi rad propituje energije boja i njihove sjene. Rad, koji prodire u prostor galerije, kao da pokušava dokučiti fraktalne pojavnosti boje, zasjenjenja, odraza svjetla… Uglavnom toplim bojama, na matrici, originalnom crtežu, nalazimo okrugle oblike. Različiti odnosi, kutovi osvjetljenja, nude i različite mutacije oblika koje se pojavljuju na ravnom dijelu rada. Boje kao da nestaju. Umjetnica svjedoči da je materija samo jedan vid energije. Insinuacija mogućeg pretvorena je u krhku sigurnost trenutka.

   Džeko Hodžić predstavlja dva rada iz ciklusa „Mitske slike“. Jedan se odnosi na Herakla a drugi na Itila/Isisa, (grč. `Ιτυλος, lat. Itylus). Heraklo je junak grčkih legendi, (u rimskoj mitologiji – Herkul). Rođen je kao polubog, od Zeusa i smrtnice Alkmene. Alkmena je rodila poluboga Herakla i smrtnika Ifikla. Jednog je nazvala  Heraklo (Herina slava), da bi ublažila Herin gnjev. Maćeha Hera nije ga voljela. Ona je poslala zmije u kolijevku, ali, Heraklo je zadavio zmije. Kao polubog, on je, za prelazak na Olimp i besmrtnost, trebao izvršiti 12 zadataka. Od zahtjevnih Heraklu zadanih zadaća, Džeko Hodžić interpretira motiv pobjede nad nemejskim lavom. Njegov slikarski rad predstavlja situaciju nakon borbe jer, koža lava je bila debela pa ju oružje nije moglo probiti, a mogla ga je dotući jedino ljudska ruka. Heraklo ga je svojom snagom uspio zadaviti. Legende kažu da mu je za skidanja kože savjetovala Atena, prerušena u staricu: spoznati da oruđe kojim može razderati lavlju kožu jesu lavlje pandže. Ispunio je zadatak i poslije nosio neprobojnu kožu kao svoj oklop. Heraklo je imao i muške i ženske ljubavnike. Ženio se 4 puta i imao brojno potomstvo. Među mnogobrojnim ljubavnicima nalazimo i Filokteta, čuvenog trojanskog borca. Heraklovih 12 ispunjenih zadataka govori o njegovoj istrajnosti u realizaciji životnog cilja. Mnoga od njegovih djela bila su sa humanim predznakom. 

   Drugi lik kojeg Džeko predstavlja, je tragični lik dobrog, mladog bića. To je Itil/Isis  sin jedinac tebanskog kralja Zeta i supruge Aedone, koji je kratko živio, zahvaljujući opakoj majci. Prema Homeru, Aedona je zavidjela Niobi, supruzi njenog djevera Amfiona, jer je ova imala dvanaestoro djece. Aedona, iz razloga što je rodila deformirano i malo dijete, nije mogla podnijeti razliku, pa je odlučila da ubije Niobinog najstarijeg sina Sipila/ Amaleja. Itil i Sipil su bili bliski te su spavali u istom krevetu, pa je Aedona u mraku ubila pogrešnog. 

   I kao što legende i mitovi mogu stvarati nestvarne situacije, umjetnik odabire ova dva lika za vizualizaciju. On kaže: „Bogovi i polubogovi, snažni nadljudi, pozvani su u pomoć razrušenoj zemlji“. Umjetnik osjeća današnje vrijeme nepravdi i nelagodnih situacija u svijetu i reagira. Oslanja se na mitove. On komentira: „U mom ciklusu (drugi lik, Itil/Isis) ima ulogu kao Mojra. Uz snagu Herakla i ostalih on/a sudi a Itis je tu kao prateća nesreća kojih nalazimo i u današnjim situacijama“… …“Ja njemu, koji je nemoćan, nesretno dijete, pokušavam dati snagu spasioca i emanaciju pozitivne energije“… On se, kao svojevrsna kolateralna šteta, na žalost ne tretira kao žrtva već samo evidentira u brojevnim nizovima stradalih. Nameće se pitanje: Zar nismo i sami svjedoci takvog tretmana mnogih osoba koje su ciljano, uz lažno opravdanje slučajnosti, stradale kroz povijest ali, na žalost, i dandanas u takozvanom naprednom XXI stoljeću? 

   Utta Kasparek nudi nam jednostavan rad kojeg smo prisiljeni doživjeti i interpretirati na osobni način, posebno jer autorica radu daje ime „Bez naziva“. Ideja o stalnom tijeku i promjenjivosti svega i činjenica artističkog artefakta percipiranje rada postavlja na područje evokacije energija. Umjetnica se igra oblicima i bojama. Tako smisao ovog rada možemo potražiti u odnosima boja i likovnom postupku, okomitim crvenim linijama na žućkastoj podlozi. Tehnika iskaza, vosak i pigment, odvode nas prema ekološkim aspektima civilizacije. Skoro geometrijski, ali ipak nepravilni, spontani oblici nude ideju fraktalnog bivstvovanja stvari oko nas. Autorica nas podsjeća da su razumijevanje i spoznaja uvijek privremeni procesi koji zahtijevaju stalno razmatranje i koji nemaju svršetka.

   Laura Killer predstavlja zanimljivu instalaciju koju naziva „Vidim toplinu“. Rad se sastoji od električnog kabla, konstrukcije/držača, te žarulja za grijanje crvene boje. Pored nje, na zidu su postavljena dva okomita segmenta rada. Oni su sastavljeni poput knjige ali sa linijskim izrescima, poput tankih trakastih stranica, na kojima zapažamo zapise. Ove „knjige“ su postavljene zrcalno, pa možemo smatrati da su zapisi, i od lijeva na desno i/ili od desna ka lijevoj strani, legalni u ovoj civilizaciji. Neki sistemi pisanja, npr.  Arapsko, Židovsko, Urdu, Perzijsko, Kurdsko i Jidiš, teku od desna na lijevo. Bez obzira kako su točno napisani zapisi, ova ideja može osvijetliti poštovanje svih modusa zapisanih misli. Ideju propitivanja stvarnosti možemo zapaziti i kroz izbor materijala koji su svi prirodni, drvo, papir, metal a naročito pčelinji vosak.

   Beatrix Koberger nudi rad kojeg naziva „Slava Ukraini“. Ovdje se koriste boje ukrajinske zastave, plava i žuta. Bez obzira na naš osobni politički stav vezan za ovaj inicirani rat, umjetnici ipak, najčešće ne daju podršku nasilju. No, rijetki pregledaju nekoliko povijesnih izvora kako bi bili informirani iz više izvora te sami, temeljem usporedbi, fakata, činjenica, donijeli osobno mnijenje, te ne povjerovali plasiranim interpretacijama  mainstream media. Jer, shvatili smo da postoji više vrsta, pristupa povijesti/ma pa se često u literaturi nalaze interesni, religijski, politički podobni i drugi stavovi kojima je dana prednost. Ova igra oblicima i bojama, izvedena akrilom na platnu, apstraktna je, a tek naziv rada definira ideju autorice.

   Robert Lang nudi niz manjih radova izvedenih kombiniranim tehnikama: gvaš, akril, ulje, akvarel, olovka, papir, ljepljiva traka, silikon… Svi su manjih formata pa ih se može predstaviti na više načina tako da pojedini radovi ne izgube svoju auru. Umjetnik očito intenzivno doživljava situacije u koje smo svi uronjeni zajedno s njima. Iskaz groze ratnim zbivanjima, neslaganje s proklamiranim službenim političkim stavovima, autor iskazuje na dramatičan i dojmljiv način. Svi radovi pripadaju ciklusu, seriji „Krvni Danak“. Ovim nizom, na apstraktni način, tek povremeno simboličan, umjetnik se uživljava u stanja onih najnižih, onih koji se bore direktno na bojištu i koji pre/često ginu. Naravno, naručioci, rukovoditelji i interesni krugovi nisu na bojištima već u skupocjenim zaštićenim prostorima. Cijeli ovaj višestruki košmar plaćamo mi, obični stanovnici Plavog planeta. No, treba se osvijestiti. Još Volter kaže: „Nijedna se pahuljica u lavini nikada ne osjeća odgovornom“.

   Jutta Mayr nudi tajnovit rad kojemu daje naziv „Bez naslova“. Ona promatraču nudi začudnu sliku izvedenu uljem na platnu i pušta ga samog u prostoru Bijele kocke. Na horizontalno izduženom formatu rada nalazimo nekoliko asocijativnih elemenata. Tu zapažamo moguće površine plave vode i crvenog neba, ukoliko se opredijelimo za ideju krajolika. Između njih, ne na cijeloj širini, zapažamo likovnu formaciju sličnu željezničkoj pruzi iz ptičje perspektive. Ona se susreće i preklapa sa tamnom linijom koja asocira, vizualno prekinuti pojam beskonačnosti (∞). Formacija s oblikom pruge asocira nas na DNK, genetski glavni nasljedni materijal u stanicama. Iako se ona ne uvija, može simbolizirati i ideju stalnog tijeka i mijene. Čini se da autorica propituje nesigurno vrijeme u kojem, zajedno sa svima nama, i sama živi. Moguće je da umjetnica, na nesiguran, decentan način želi prenijeti svoj doživljaj okruženja ispunjen ubijanjem, interesima kapitala i bezumnih političara. 

   Manuel Michaelis nudi dva rada. On jedan cinično naslovljuje: „Ceci-n’est-pas-un-génocide“. Koristeći čuvenu rečenicu René Magritte-a, on pretpostavlja, sukobljava realnost sa službenom legislativom. Ovdje on ne koristi boje, rad izvodi grafitom na papirnoj podlozi dodajući zapis. Izostanak kolora određuje atmosferu događanja, grupiranja ljudi na otvorenom prostoru. Ljudi su poput mrava, formirajući veće grupe oko bijelih formacija sličnih štandovima ili šatorima. Neki su u manjim grupama ili koloni. Na krovu ili terasi zgrade izdvojeno je samo nekoliko osoba koji kao da promatraju situaciju. U ovom našem vremenu divljanja profiterstva, oni mogu biti prikriveni začetnici događanja tragedija na ulici/trgu. Samim naslovom umjetnik kao da propituje situacije nepravdi, pokolja, kojih na Plavom planetu, na žalost, danas ne nedostaje.

   Drugi rad izvodi uljem na platnu a naslovljuje „I have a dream“. Ovdje se pojavljuje kolor određen nestabilnom morskom površinom i mnogobrojnim putnicima u nesigurnom plovilu, obučenim u narančaste zračne jastuke za spašavanje. Val koji kao da preplavljuje nesretne putnike, realistično je predstavljen kao i likovi, ali iz daljine – bez osobnih identiteta. Na žalost, oni tek pokušavaju, u nekom drugom dijelu planete pronaći, ostvariti svoju osobnost. Ovi dramatični radovi ostavljaju dojam gorčine a umjetnika predstavljaju kao senzibiliziranu osobu u odnosu na podivljali kasni kapitalizam kojem i mi svjedočimo.

    Stefania Peter predstavlja dva rada, izvedena kombinacijom tuša i akvarela. Ona radove naziva „Waterpower I. i II“. Na oba rada zapažamo crtež kao okosnicu oblikovanja. Raspored nizanja stabala prate elemente reguliranih vodenih tokova. Na jednom radu uz okomicu vodenih kaskada, a na drugom horizontalu. Čini se, po boji i gustoći krošnji da se radi o dva godišnja doba. Na oba rada nebo je zatvoreno u jednolične tonove. Zanimljivost je fraktalno uobličavanje krošnji stabala te  nešto strožiji pristup oblikovanju građevinskih gabarita vodotokova. 

   Ova razlika u pristupu asocira pitanje ekologije. Naime, prirodu previše „dresiramo“. Oduzimamo naturalne tijekove voda, područja šuma, rasprostiranja livada… Dok je vodotok određen zidovima, nasipima, šuma je prikazana još uvijek slobodnija u rasprostiranju. Autorica kao da želi asocirati nebrigu o posljedicama eksploatacije prirodnih resursa. Mi opasnost ne uočavamo kad započinje, nego kad je šteta već učinjena.

   Andreas Pytlik predstavlja foto print kojeg naziva: „Megazelena“. On na fotografiju prozaičnog pejzaža intervenira kolažiranjem, slikanjem/prebojavanjem i slovnim zapisima. Zapažamo isječak iz tiska koji kao da govori „putem / učilišta“. No iznad njega postavlja prometni znak za slijepu ulicu, kao da propituje usmjerenu, pojednostavljenu, marketingu i profitu usmjerenu edukaciju. On na radu predlaže zelenu boju asfalta. Njegovo artificijelno stabalce, izvedeno intenzivnim zelenim kolorom, nalazimo na požutjeloj travnatoj livadi. Čak i svoj potpis uspijeva uklopiti u ovo propitivanje ekoloških ali i socijalnih dilema sadašnjice. Cijela kompozicija ponuđena je sa zapisom: „Učiniti zelenilo ponovno važnim“.

   Ovo problematiziranje stanja civilizacije otkriva našu zapuštenost po svim pitanjima ekologije, od društvenih nepravdi između službeno educiranih i pozicioniranih ili needuciranih moćnih klasa, pa do beskrupuloznosti spram naturalnog okruženja. Čini se da mi zreliji uočavamo probleme ali mlade generacije, odrasle uz mobitele i društvene mreže, niti običnu oluju ne doživljavaju kao normalni tijek prirodnih procesa. Oni se pobune tek kad nestane struje i kad se njihove baterije isprazne. Možda tek tad pogledaju kroz prozor ili čak prošeću okruženjem. Možebitno ovaj propitujući pejzaž ipak dožive kao upozorenje na otklon od prirode.  

   Josefine Pytlik predstavlja se performansom. Prema dostupnom slikovnom materijalu, autorica, prigodno atraktivno odjevena u kombinaciju koja nekim segmentima asocira vjenčanicu, uvriježenu svečanost, intervenira na zidu galerije. Čini se da u intervenciji koristi crvenu boju koja nekako predstavlja žrtvu, ženski pristup, propitivanje feminizma… Ruže koje ona nosi prilikom djelovanja na bijeloj podlozi, također asociraju na nježnost, senzibilnost. One nisu crvene, niti su karanfili, pa se rad ne povezuje s nekom idejom revolucije. Tu je i klecalo sa nekom literaturom koja je vjerojatno aktivistička. Možda akcija nudi ideju protesta ili skretanja pažnje na ženski princip. Mi ne znamo što će autorica ispisati, ocrtati, ponuditi na zidu, ali već i nabrojeni elementi nude provokativnost. Spoj njene izazovne opremljenosti kostimom, ružama, kistom i klecalom opravdavaju naziv rada: „Moram priznati da još uvijek vjerujem“, no, ideja rada ne mora biti povezana sa proklamiranim vjerskim dogmama već možda sasvim suprotno. 

  Christine Rieck Sonntag odlično predstavlja, podsjeća nas na arhaični način komunikacije poštanskim načinom. Čini se da su ona i Anastasija Tonkova komunicirale, razmjenjivale radove poput/putem razglednica. Ove artefakte, koji svi nude likovne radove malih dimenzija, umjetnica maštovito vješa štipaljkama na špagu, nit. Niz može biti kronološki ili nasumičan. U njemu nalazimo raznorodne likovne artefakte, vjerojatno iskaze trenutnih osobnih stanja, dojmova, razmišljanja svake od autorica. Tu su slikarski, grafički, tekstualni, portretni, ponekad kolažirani iskazi.

   Ovaj način komunikacije izaziva memorijske aspekte. Moramo se prisjetiti kad smo i sami nekad nekom poslali pismo, telegram, razglednicu. Poruke SMS-om, Whats Appom, Facebook ili instagram informacija ili na drugim mrežama zamijenila je fizikalnu komunikaciju. Osobna komunikacija postala je zastarjela iako jedino direktni razgovor, uz kavu ili neko drugo piće može bolje iskazati trenutak i međuljudski odnos. Smatram da je direktni pogled i izrečena rečenica mnogo bogatija od svih, uvijek površnih, internet komunikacija. 

   Markus Rittinger nam predstavlja trodimenzionalni rad u obliku nepravilne kocke. Izveden od brončane legure, rad predstavlja monolitnu, granitnu kocku. Autor ga naziva „Raspad“. Nepravilni i grubi rubovi nastavljaju se i na plohama. Izvedeno je oblikovanje koje nudi artificijelan predmet no, uz zadržanu ideju prirodne, spontane teksture površine. Ritam je postignut kako rubovima tako ritmovima teksture na plohama. 

   Autor nam postavlja pitanja. Da li ovaj predmet može poslužiti kod protesta prema režimima (gađanje!) ili je reminiscencija na nekad tlakovane javne površine. Asocijacije idu i dalje, moguće je da ovaj predmet predstavlja ideju oblika novovjekih resursa, rijetkih minerala, kao što su: bakar, nikl, litij, kobalt, za koje se diskretno ili javno, bore velike sile i moćni kapital. 

   Wolfgang Rösler oblikuje prostorni rad kojeg naziva „Slobodan prolaz“. Rad se sastoji od izduženog, polukružnog, amorfnog oblika nalik na gnječenu potkovicu. Ona je na oba kraja oslonjena na podlogu. Ovo nije Urobor zmija koja jede svoj rep, simbol alkemije: vječnosti, iz antičkih vremena. Ovo je krik, gesta nemogućnosti ispunjenja osobnosti. Iz glatke kvadratne podloge, na polovici, uzdiže se pravilan kvadrat postavljen okomito na horizontalu. Amorfni oblik kao da prolazi kroz okomiti dio asocirajući na tijelo koje prolazi kroz okomitu prepreku. Ova sugestivna skulptura, u današnjici proklamiranoj kao demokracija, simbolično oblikovno a dramatično locira pojedinca koji, u ovom vremenu nametanja pravila i koje ne dozvoljava osobno mišljenje, pokušava probiti barijere ignoriranja i izolacije zbog neusklađenog mišljenja sa establišmentom na vlasti. Ova skulptura može postati spomenikom recentnog vremena posvećenom svim žrtvama protivljenja nametanju jednoobraznosti mnijenja. Ovaj izuzetni rad mogao bi biti maketa za skulpturu znatno većih dimenzija. 

   Petra Schunk za ovu prezentaciju nudi fotografiju. Ona ju naziva “Čist put ekipi za čišćenje“. Prostor kojeg dokumentarno bilježi jest šator, improvizirano mjesto za pijenje. Klupe su posložene a vidi se i lokacija ili naziv proizvođača alkoholnih opijata. Veličina prostora i količina stolova i klupa svjedoči masovnom okupljanju. Autorica kao da propituje načine druženja i komunikacije među ljudima. Za slobodno vrijeme kojeg je kapitalizam i profiterstvo ostavio običnim ljudima, ponuđeno je masovno druženje uz dekoncentraciju i opijanje. Ne preostaje vremena za osobno promišljanje, mirno ili kreativno opuštanje već je odmah ponuđena konzumacija kao izlaz ka lažnom relaksiranju. Nameće se pitanje: je li poslije bilježenja ovaj simbol konzumerizma mrtav ili je tek oživljen? 

   Hari Sedlmeier predstavlja kolažirane fotografske radove. Pred nama su dvije grupe snimki koje propituju sadašnjost na udaljenoj lokaciji. Radovi nose naslov „Stani i idi/s tamne strane Alpa/na svijetlu stranu mora I. i II.“. Prvi rad asocira ideju i očekivanja iako u donjem dijelu kolaža zapažamo i znak zabrane zaustavljanja i parkiranja. Tako ovi znakovi upućuju na direktive i zahtjeve, svojevrsno poigravanje mačke i miša. Traže poslušnost i poniznost unatoč radošću određenog naslova rada. Drugi rad kao da prikazuje stanje „…na svijetloj strani mora“. Tu vidimo sjene ali i simbolične figure ljudi uz obalu tog mora. Tu nalazimo, uz motive plavetnila i figura koje se pokušavaju opustiti nakon dolaska na željeni cilj. No, tu su i zabrane, ispis „Bez doma“ te snimke usloženih kanistara za gorivo.   

   Ove predstavljene situacije kao da suptilno propituju želje i nadanja posjetitelja koje zovemo turisti te ponudu koju, ljudi koji žive uz more, pokušavaju nametnuti nerazumijevanjem želja, previsokim cijenama usluga ali i zabranama. Odlični radovi koji propituju goste ali i same domaćine velikog broja osoba koje samo žele uživati u blagodatima Mediterana. 

   Angelika Sobeck Kistner predstavlja dva rada. Jednog naziva „Trajekt“ a drugog „Iako je vrlo usko“. Na prvom, izvedenom akrilom na platnu, nalazimo detalj stepeništa i konstrukcije plovila za prijevozna sredstava i ljude. Prohladne linije i površine metalne konstrukcije te njihovi odnosi zauzimaju pažnju umjetnice. Ona bilježi isječak koji nas dovodi na rub vrtoglavice. Elementi se preklapaju a linijske formacije zavode pogled. Unatoč tome, kompozicija je stabilna, izvedena znalački. 

   Drugi rad nešto je zagonetniji. Čini se da autorica traži od promatrača pretraživanje osobnih dojmova. Naslov nam ne pomaže previše ali ipak nudi asocijaciju. Kao da nas autorica poziva ka kretanju ka uskom prolazu iza kojeg ne naznačuje što bi nas moglo dočekati ako se odlučimo i pođemo njenim ponuđenim tragom. Ovaj prolaz može predstavljati poroznost pojavnosti. Dva niza stupolikih formacija, zaustavljaju se u perspektivnom nizanju tik pred spajanjem. U prednjem planu je još jedna moguća barijera, koja koso sječe kompoziciju sličeći na rukohvat i zatvorenu ogradu ispod njega. Čini se da autorica još 2017. kad je rad nastao, sluti sveopće zatvaranje prolaza između ljudi ali i informacija. Danas svjedočimo napad konzumerizma ali i beskrupulozno uništavanje srednje i niže klase ostavljajući u moći samo korporacije i vlasnike krupnog kapitala. Čini se da nam predstoji borba za vlastiti opstanak.

   Severin Zebhauser predstavlja jednostavan rad kojemu imenom ne odaje određenje. On ga naslovljuje kao „Bez naslova“, pa je promatraču jasno da sam doživljajno odredi ovaj predmet. Radi se o objektu znatnih dimenzija, naročito visine, izvedenom pijeskom, bitumenom i marker trakom. Tamnoća predmeta u kontrastu je s žutom trakom. Ona najčešće označuje neku zabranu, ukoliko nam ne služi kao pridrživač prilikom radova. Žuta traka, npr. u prometu, označava neku granicu, simboličnu prepreku. Na tom tragu možemo doživjeti i ovaj rad gdje se traka prikazuje okomito. U suvremenom vremenu nije neobično da pomislimo kako autor propituje zabrane kojih smo svjedoci. Umjetnici su svjesni da vrijeme u kojem živimo nameće okvire. U nekima od njih moramo, ali u nekima ne želimo sudjelovati. Suvremenost, koju smo nazivali kapitalizmom preusmjeruje se ka tehnofeudalizmu.

   Eugen Borkovsky, VII. 2025

   Über die Werke:

   Mario Aversano präsentiert das Werk „Freier Durchgang für freie Geister“. Es handelt sich um ein Gemälde, das mit Acryl und Pigment ausgeführt wurde. Der Künstler zeichnet bzw. kratzt lineare Formen auf eine vorher bearbeitete Leinwand. Eine starke Gestik und disziplinierte Farbgebung sind sowohl in der Ausführung des Untergrunds als auch in den späteren Interventionen präsent. Die Komposition ist trotz vieler Details und der Annäherung der Formen an die Ränder stabil. Die linearen Eingriffe suggerieren figurative Formen, die menschlichen oder tierischen Wesen ähneln, aber auch völlig abstrakt sein können. Dem Betrachter stellt sich die Herausforderung, diese zu erkennen, falls sie wahrgenommen werden. Die Zeichen verbinden sich zu einer Geschichte: Der Künstler schafft es, den persönlichen Albtraum der Zeit, die wir mit ihm teilen, darzustellen.

   Siglinde Berndt realisiert papierene Formen, die mit kombinierten Techniken bearbeitet wurden und an Wolken erinnern. Obwohl die Künstlerin die Installation „Wolken“ nennt, können wir auch Assoziationen zu Kissen für Komfort oder mögliche erotische Anspielungen herstellen. Der Untergrund bleibt weiß. Darauf erkennen wir Körperformen, die wie Aktdarstellungen wirken. Die flüchtige Gestaltung von Körpern oder Körperteilen verschmilzt mit der papierenen Unterlage, die als dreidimensionales Objekt ausgeführt ist. Jedes dieser Objekte ist im Raum aufgehängt und wird dem Betrachter so präsentiert. Es hängt von seinem Mut oder seiner Neigung ab, ob er sich die Mühe macht, genauer hinzusehen oder vielleicht sogar einen sanften physischen Kontakt herstellt.

   Christa Bock-Köhler realisiert mit kombinierter Technik auf Leinwand im mittleren Format ein Werk, das sie „Auch die Giraffe schaut zu!“ nennt. Auf dem Bild finden wir tatsächlich eine Giraffe, aber auch eine Vielzahl unterschiedlicher, nicht gerade freundlicher Gestalten. Wie aus der Fantasie oder einem bösen Traum taucht eine Sammlung karikaturartig dargestellter Kreaturen auf. Dem Betrachter bleibt es überlassen, die Figuren zu erkennen. Es gibt langgezogene Personen, Masken, eine Figur, die ein Kind trägt, möglicherweise übertrieben modische Gestalten, ein katzenartiges Wesen, eine Tänzerin und sogar die Idee eines weißen Wesens mit Assoziationen zum Teufel über einem grünen Bereich, der vielleicht ein Teich oder Sumpf ist. Die Landschaft im Hintergrund scheint durch einen gelben Anzug vertikal in zwei Gruppen geteilt zu sein. Es ist unklar, ob es sich um zwei Kontinente, Land und Wasser oder eine Anspielung auf die Energie eines Gebiets handelt. Die Figur in weißer Kleidung scheint zu versuchen, den Blick der Giraffe von dieser seltsamen Gruppe abzuwenden. Es wirkt, als wolle die Künstlerin ausdrücken, dass die Zivilisation auf gewisse Weise entgleist ist und die natürliche Ordnung stört.

   Gabi Dräger präsentiert zwei Werke mit unterschiedlichen Titeln. Eines nennt sie „Freie Fahrt“, das andere „Reise ans Meer“. Beide Werke thematisieren soziale Gewohnheiten und Ökologie. Sie zeigen überraschende Beziehungen zwischen den Akteuren. Auf dem ersten Werk sehen wir zwei junge Menschen mit Flaschen in einer Tanzszene. Es gibt auch eine Tierfigur, eine serpentinenartige Linie und ein Auto. Dies verweist bereits auf die Problematik des Verhältnisses von (positiver) Unterhaltung in Kombination mit der Handlung des Fahrens. Die Erdkugel ist in denselben Farben dargestellt wie das Verkehrsmittel, nämlich Grün und Blau. Das zweite Werk scheint ebenfalls von ökologischen Problemen zu sprechen. Es wirkt, als befänden sich Personen kopfüber im Blau, während im unteren, grün-gelben Teil des Bildes Fische und die Unterwasserwelt zu sehen sind, aber auch ein abgestürztes Flugzeug. Eine Hirschkopf-Figur scheint all dies erstaunt zu betrachten. Im Vordergrund erscheinen drei Blätter (möglicherweise Farne), die wie in Petrischalen abgelegt wirken. Es wirkt, als illustriere die Künstlerin, dass wir zwischenmenschliche Beziehungen und ökologische Probleme erst wahrnehmen, wenn sie unübersehbar werden.

   Rudolf Finisterre präsentiert sich mit zwei Werken. Eines ist ein Objekt mit skulpturalen Merkmalen, das andere eine dreiteilige räumliche Konformation in Form eines Mobiles. Das erste, mit dem Titel „Torsio“, kann seine Form verändern, jedoch innerhalb vorgegebener Maße, die an ein animalisches Wesen erinnern. Es ist aus geschnittenen Holzelementen gefertigt, die metallisch verbunden sind. Das zweite Werk, „Jellyblossom“, bietet mehr Möglichkeiten, die Beziehungen seiner Teile zu verändern. Es ist graziler, stark in Grün gefärbt und erinnert an Baumkronen. Beide Werke thematisieren ökologische Situationen: die Sorglosigkeit bezüglich der Folgen der Ausbeutung natürlicher Ressourcen. Besonders, da wir die Gefahr erst erkennen, wenn der Schaden bereits angerichtet ist.

   Christoph Göpner präsentiert eine digitale Collage mit dem Titel „Ost-West“. Das Werk zeigt eine apokalyptische Situation: eine zerstörte Tankstelle, Brände, ausgebrannte Fahrzeuge. Leider ist dies keine Fiktion, sondern Realität in einigen Teilen der Welt. Zwei Personen scheinen die Umgebung nicht zu bemerken und gehen, wie früher, in Richtung des Tankstellenmarkts. Als hätten sie die Uhr nicht gesehen, auf der die Zeit stehen geblieben ist… Dieses Werk warnt vor den unmenschlichen Handlungen der Mächtigen, von direktem Töten über die Zerstörung von Ressourcen bis hin zum Aushungern von Menschen. Die Hysterie der Konsumgesellschaft, die Unfähigkeit, das Angebot zu absorbieren und ähnliche Situationen, die der Kapitalismus als demokratischen Liberalismus ausgibt, werden hier künstlerisch hinterfragt. Wir selbst sind Zeugen der Raserei von Interessen, religiösen Überzeugungen und der Abschottung in immer kleinere, isolierte Staaten.

   Silvia Hatzl präsentiert zwei flache, reliefartige Installationen, die durch eine ungewöhnliche Kombination von Materialien und Techniken entstanden sind: Leinen, Holz, Pigmente, Leder, Rost… Die Werke erinnern an einfache Kleidungsstücke in T-Form, wie T-Shirts oder idyllische Kleider. Doch sie zeigen reiche Spuren spontaner und beabsichtigter Veränderungen – von Farben, Flecken, Löchern, Knitterfalten, Rost… Diese beiden Arbeiten bilden eigentlich ein Diptychon, in dem ein beginnender Verfallsprozess angedeutet wird – noch getragen von einer Idee positiver Emotion – eines der Werke zeigt ein dramatisches Finale. In diesem Werk führt die Künstlerin einen gefährlichen, scharfen Gegenstand ein, der an eine Harpune oder Mistgabel erinnert, und platziert ihn ins Zentrum der Komposition. Die Dramatik dieser Szenen scheint mahnen zu wollen – sie macht auf den persönlichen wie auch allgemeinen Verfall zwischenmenschlicher Beziehungen in der heutigen Gesellschaft aufmerksam. Teilweise hat bereits die Bewegung Arte Povera in der zweiten Hälfte des letzten Jahrhunderts auf diese Probleme hingewiesen, indem sie nicht-künstlerische Materialien verwendete. Diese Bewegung beruhte auf der Idee, dass Künstler gegen die aufgezwungenen Werte der Institutionen, gegen die industrielle Werbemaschinerie und erstarrte kulturelle Normen protestieren. Eines ihrer Konzepte war es, gelenkte Kunstsysteme zu umgehen und die Vorstellung zu etablieren, dass Kunst (alles und jeder) Leben ist. Die Verwendung von marginalisierten, weggeworfenen und/oder zerstörten Materialien sowie deren Wiederverwendung – die sogenannte Re-Use-Methode – macht uns auf die emotionale Verwahrlosung unseres Bewusstseins aufmerksam.   Sie bietet die Idee, dass es – trotz der Gier des Kapitals – Bemühungen gibt, rechtzeitig die Absichten der Profiteure zu durchschauen, die nicht davor zurückschrecken, alles zu zerstören, was die Idee von Zusammenleben, Respekt für fremde Identitäten und eine faire Aufteilung von Gewinnen verkörpert – statt dass der Großteil der Einnahmen an die Fabrikbesitzer geht und die tatsächlichen Produzenten hungrig und entrechtet zurückbleiben. Die Künstlerin ist Zeugin und bietet Warnungen an. Sie stellt auf dramatische Weise eine Auseinandersetzung mit dem Begriff der Empathie zur Diskussion. 

   Cornelia Hesse gestaltet mit einfachen Mitteln zwei räumliche Werke. Eines nennt sie „Tänzer aus verschiedenen Welten“, ausgeführt aus Draht und Acrylglas. In einem kleinen, transparenten Raum formt sie Drähte in verschiedenen Farben: Schwarz und Rot. Der rote Draht scheint ein Opfer darzustellen, während der schwarze aggressiv wirkt und die rote Drahtkonstruktion anzugreifen scheint. Obwohl der Titel von Tänzern spricht, assoziieren die Formen und Farben eher rohe Handlungen. Die Dramatik wird durch die Gestaltung und die Farben des Materials erreicht. Das zweite Werk hinterfragt die Energien von Farben und ihren Schatten. Dieses Werk, das in den Galerieraum hineinragt, scheint fraktale Erscheinungen von Farbe, Schattenbildung und Lichtreflexionen ergründen zu wollen. Hauptsächlich in warmen Farben finden wir auf einer Matrix, einem ursprünglichen Entwurf, runde Formen. Unterschiedliche Beziehungen und Beleuchtungswinkel bieten verschiedene Mutationen der Formen, die auf dem flachen Teil des Werks erscheinen. Die Farben scheinen zu verschwinden. Die Künstlerin bezeugt, dass Materie nur eine Form von Energie ist. Die Andeutung des Möglichen wird in eine fragile Gewissheit des Moments umgewandelt.

   Džeko Hodžić präsentiert zwei Werke aus dem Zyklus „Mythische Bilder“. Eines bezieht sich auf Herakles, das andere auf Itylos/Itis (griech. `Ιτυλος, lat. Itylus). Herakles ist ein Held der griechischen Mythologie (in der römischen Mythologie: Herkules). Er wurde als Halbgott geboren – Sohn des Zeus und der Sterblichen Alkmene. Alkmene gebar sowohl den Halbgott Herakles als auch den Sterblichen Ifikles. Einen der Söhne nannte sie Herakles („Ruhm der Hera“), um den Zorn der Göttin Hera zu besänftigen. Doch Hera, seine Stiefmutter, mochte ihn nicht. Sie schickte Schlangen in seine Wiege, doch Herakles erwürgte sie mit bloßen Händen. Als Halbgott musste er zwölf Aufgaben erfüllen, um auf den Olymp aufzusteigen und Unsterblichkeit zu erlangen. Džeko Hodžić interpretiert in seinem Werk das Motiv des Sieges über den nemeischen Löwen – eine der berühmten Aufgaben. Seine malerische Darstellung zeigt den Moment nach dem Kampf, denn das Fell des Löwen war so dick, dass keine Waffe es durchdringen konnte; nur die menschliche Hand konnte ihn töten. Herakles erwürgte ihn mit seiner gewaltigen Kraft. Laut Legende war es die Göttin Athene, verkleidet als alte Frau, die ihm riet, die Löwenhaut mit den eigenen Klauen des Tieres zu entfernen. Nachdem er die Aufgabe erfüllt hatte, trug er das unverwundbare Fell als seine Rüstung. Herakles hatte sowohl männliche als auch weibliche Liebhaber. Er war viermal verheiratet und hatte zahlreiche Nachkommen. Unter seinen Liebhabern war auch Philoctetes, ein berühmter Kämpfer im Trojanischen Krieg. Die zwölf erfüllten Aufgaben des Herakles erzählen von seiner Ausdauer bei der Verwirklichung seines Lebensziels. Viele seiner Taten hatten einen humanitären Charakter.

   Die zweite Figur, die Džeko darstellt, ist das tragische, gute junge Wesen Itylos/Itis, der einzige Sohn des thebanischen Königs Zethos und seiner Frau Aedone. Laut Homer war Aedone eifersüchtig auf Niobe, die Frau ihres Schwagers Amphion, da diese zwölf Kinder hatte. Aedone, die ein deformiertes und schwaches Kind zur Welt gebracht hatte, ertrug diesen Unterschied nicht und entschloss sich, Niobes ältesten Sohn Sipylos/Amaleus zu töten. Doch da Itis und Sipylos enge Freunde waren und im selben Bett schliefen, tötete Aedone im Dunkeln versehentlich ihr eigenes Kind. Wie Legenden und Mythen oft unwirkliche Situationen erschaffen, so wählt der Künstler diese beiden Figuren zur Visualisierung. Er sagt: „Götter und Halbgötter, mächtige Übermenschen, sind zur Hilfe für das zerstörte Land gerufen.“

   Der Künstler spürt die Ungerechtigkeit und das Unbehagen der heutigen Welt und reagiert darauf, indem er sich auf Mythen stützt. Er kommentiert: „In meinem Zyklus übernimmt die zweite Figur (Itis/Isis) die Rolle einer Moira. Neben der Kraft des Herakles und anderer richtet er/sie – und Itis steht dabei für das begleitende Unglück, wie wir es auch in heutigen Situationen finden.“ Weiter sagt er: „Ich versuche, diesem machtlosen, unglücklichen Kind die Kraft eines Retters und die Ausstrahlung positiver Energie zu verleihen.“

   Itis erscheint als eine Art Kollateralschaden, wird aber leider nicht als Opfer wahrgenommen, sondern lediglich in Zahlenreihen der Getöteten erfasst. Es drängt sich die Frage auf: Sind wir nicht selbst Zeugen solcher Behandlung von Menschen, die gezielt und unter dem falschen Vorwand eines Zufalls zu Schaden kamen – sei es in der Geschichte oder leider auch heute, im angeblich fortschrittlichen 21. Jahrhundert?

    Utta Kasparek bietet ein einfaches Werk, das wir persönlich erleben und interpretieren müssen, besonders da die Künstlerin es „Ohne Titel“ nennt. Die Idee des ständigen Flusses und der Veränderlichkeit von allem sowie die Tatsache eines künstlerischen Artefakts verorten die Wahrnehmung des Werks im Bereich der Evokation von Energien. Die Künstlerin spielt mit Formen und Farben. Der Sinn dieses Werks könnte in den Beziehungen der Farben und dem künstlerischen Verfahren gesucht werden, in vertikalen roten Linien auf gelblichem Untergrund. Die Ausdruckstechnik, Wachs und Pigment, führt uns zu ökologischen Aspekten der Zivilisation. Fast geometrische, aber dennoch unregelmäßige, spontane Formen suggerieren die Idee eines fraktalen Seins der Dinge um uns herum. Die Künstlerin erinnert uns daran, dass Verstehen und Erkennen immer vorläufige Prozesse sind, die ständige Reflexion erfordern und kein Ende haben.

   Laura Killer präsentiert eine interessante Installation mit dem Titel „Ich sehe Wärme“. Das Werk besteht aus einem Stromkabel, einer Konstruktion/Halterung und einer roten Heizlampe. Daneben sind an der Wand zwei vertikale Segmente des Werks „In der Sprache“ angebracht. Diese sind wie ein Buch gestaltet, jedoch mit linearen Zeichnungen, die wie dünne, streifenartige Seiten wirken, auf denen wir Aufzeichnungen erkennen. Diese „Bücher“ sind spiegelbildlich angeordnet, sodass wir annehmen können, dass die Aufzeichnungen, ob von links nach rechts oder von rechts nach links, in dieser Zivilisation legitim sind. Einige Schriftsysteme, z. B. Arabisch, Hebräisch, Urdu, Persisch, Kurdisch und Jiddisch, verlaufen von rechts nach links. Unabhängig davon, wie die Aufzeichnungen genau geschrieben sind, kann diese Idee die Achtung aller Formen schriftlicher Gedanken verdeutlichen. Die Idee, die Realität zu hinterfragen, zeigt sich auch in der Wahl der Materialien, die alle natürlich sind: Holz, Papier, Metall und insbesondere Bienenwachs.

   Beatrix Koberger zeigt ein Werk mit dem Titel „Slava Ukraini“. Hier werden die Farben der ukrainischen Flagge, Blau und Gelb, verwendet. Unabhängig von unserer persönlichen politischen Haltung zu diesem Krieg unterstützen Künstler in der Regel keine Gewalt. Doch nur wenige recherchieren verschiedene historische Quellen, um auf Basis von Vergleichen, Fakten und Tatsachen eine eigene Meinung zu bilden. Denn wir haben erkannt, dass es verschiedene Arten und Zugänge zur Geschichte gibt, sodass in der Literatur oft interessengeleitete, religiöse, politisch genehme oder andere bevorzugte Ansichten zu finden sind. Dieses Spiel mit Formen und Farben, ausgeführt in Acryl auf Leinwand, ist dennoch abstrakt und erst der Titel des Werks definiert die Idee der Künstlerin.

   Robert Lang’s Reihe kleinerer Werke sind in Mischtechnik ausgeführt: Gouache, Acryl, Öl, Aquarell, Bleistift, Papier, Klebeband, Silikon… Alle sind in kleineren Formaten, sodass sie auf verschiedene Weise präsentiert werden können, ohne ihre Aura zu verlieren. Der Künstler erlebt die Situationen, in die wir alle gemeinsam mit ihm eingetaucht sind, offensichtlich intensiv. Den Ausdruck des Entsetzens über kriegerische Ereignisse und die Ablehnung proklamierter offizieller politischer Positionen bringt er auf dramatische und eindrucksvolle Weise zum Ausdruck. Alle Werke gehören zum Zyklus „Blutzoll“. Auf abstrakte, nur gelegentlich symbolische Weise versetzt sich der Künstler in die Zustände derer, die direkt auf dem Schlachtfeld kämpfen und allzu oft sterben. Natürlich befinden sich die Auftraggeber, Führer und Interessenskreise nicht auf den Schlachtfeldern, sondern in kostspieligen, geschützten Räumen. Diesen vielfältigen Albtraum bezahlen wir, die einfachen Bewohner des Blauen Planeten. Doch wir müssen uns bewusst machen: Wie schon Voltaire sagte: „Keine Schneeflocke in einer Lawine fühlt sich je verantwortlich.“

   Jutta Mayr bietet ein geheimnisvolles Werk mit dem Namen „Ohne Titel“. Sie stellt dem Betrachter ein rätselhaftes Bild, ausgeführt in Öl auf Leinwand, zur Verfügung und lässt ihn allein im Raum der Weißen Kube. Auf dem horizontal gestreckten Format des Werks finden wir mehrere assoziative Elemente. Wir erkennen mögliche Flächen von blauem Wasser und rotem Himmel, falls wir uns für die Idee einer Landschaft entscheiden. Dazwischen, nicht über die gesamte Breite, erkennen wir eine bildnerische Formation, die an eine Eisenbahnstrecke aus der Vogelperspektive erinnert. Sie trifft und überlappt sich mit einer dunklen Linie, die visuell die Idee der Unendlichkeit (∞) unterbricht. Die streifenartige Formation erinnert an DNA, das wichtigste genetische Material in Zellen. Auch wenn sie sich nicht windet, kann sie die Idee eines ständigen Flusses und Wandels symbolisieren. Es scheint, als hinterfrage die Künstlerin die unsichere Zeit, in der sie gemeinsam mit uns allen lebt. Möglicherweise wollte die Künstlerin nur ihre Wahrnehmung einer Umgebung voller Tötungen, Kapitalinteressen und sinnloser Politiker vermitteln.

   Manuel Michaelis zeigt zwei Arbeiten. Eine betitelt er zynisch: „Ceci n’est pas un génocide“. Unter Verwendung des berühmten Satzes von René Magritte stellt er die widersprüchliche Realität der offiziellen Gesetzgebung gegenüber. Hier verwendet er keine Farben, sondern führt das Werk mit Graphit auf Papier aus und fügt einen Schriftzug hinzu. Das Fehlen von Farben bestimmt die Atmosphäre des Geschehens, die Gruppierung von Menschen im Freien. Die Menschen wirken wie Ameisen, die größere Gruppen um weiße Formationen bilden, die Ständen oder Zelten ähneln. Einige sind in kleineren Gruppen oder Kolonnen versammelt. Auf dem Dach oder der Terrasse eines Gebäudes stehen nur wenige Personen, die die Situation zu beobachten scheinen. In unserer Zeit des rücksichtslosen Geschäftemachens könnten sie die Initiatoren der Tragödien auf der Straße oder dem Platz sein. Mit dem Titel selbst hinterfragt der Künstler alle Situationen von Ungerechtigkeit und Massakern, die es auf dem Blauen Planeten leider nicht zu knapp gibt. Das zweite Werk, ausgeführt in Öl auf Leinwand, trägt den Titel „I have a dream“. Hier erscheint Farbe, bestimmt durch eine instabile Meeresoberfläche und zahlreiche Passagiere in einem unsicheren Boot, die orangefarbene Rettungswesten tragen. Die Welle, die die unglücklichen Passagiere zu überspülen scheint, ist ebenso realistisch dargestellt wie die Figuren, jedoch aus der Ferne, ohne persönliche Identitäten. Leider versuchen sie in einem anderen Teil des Planeten, ihre Persönlichkeit zu finden oder zu verwirklichen. Diese dramatischen Werke hinterlassen einen bitteren Nachgeschmack und präsentieren den Künstler als sensible Person in Bezug auf den entfesselten Spätkapitalismus, dessen Zeugen wir sind.

   Stefania Peter präsentiert zwei Werke, ausgeführt mit einer Kombination aus Tusche und Aquarell. Sie nennt die Werke „Waterpower I und II“. Auf beiden Werken ist die Zeichnung die Grundlage der Gestaltung. Die Anordnung der Baumreihen folgt Elementen regulierter Wasserläufe. Auf einem Werk entlang einer vertikalen Kaskade, auf dem anderen horizontal. Anhand der Farbe und Dichte der Baumkronen scheint es sich um zwei Jahreszeiten zu handeln. Auf beiden Werken wirkt der Himmel in einheitlichen Tönen verschlossen. Interessant ist die fraktale Gestaltung der Baumkronen und der etwas strengere Ansatz bei der Gestaltung der baulichen Dimensionen der Wasserläufe. Dieser Unterschied im Ansatz assoziiert die Frage der Ökologie. Wir „dressieren“ die Natur zu sehr. Wir nehmen den natürlichen Lauf der Gewässer, die Flächen der Wälder und die Ausbreitung der Wiesen weg. Während der Wasserlauf durch Mauern und Dämme bestimmt ist, wird der Wald noch freier in seiner Ausbreitung dargestellt. Die Künstlerin scheint die Sorglosigkeit bezüglich der Folgen der Ausbeutung natürlicher Ressourcen anzudeuten. Wir erkennen die Gefahr nicht, wenn sie beginnt, sondern erst, wenn der Schaden bereits eingetreten ist.

   Andreas Pytlik präsentiert einen Fotodruck mit dem Titel „Megagrün“. Auf ein Foto einer prosaischen Landschaft greift er durch Collagieren, Malen/Übermalen und Schriftzüge ein. Wir erkennen einen Ausschnitt aus einem Druck, der „Weg / Schule“ zu sagen scheint. Darüber platziert er ein Verkehrsschild für eine Sackgasse, als wolle er die vereinfachte, auf Marketing und Profit ausgerichtete Bildung hinterfragen. Er schlägt grüne Farbe für den Asphalt vor. Sein künstliches Bäumchen, in intensivem Grün ausgeführt, finden wir auf einer vergilbten Wiese. Sogar seine Signatur fügt sich in diese Hinterfragung ökologischer und sozialer Dilemmata der Gegenwart ein. Die gesamte Komposition wird mit dem Schriftzug angeboten: „Grün wieder wichtig machen“. Diese Problematisierung des Zustands der Zivilisation offenbart unsere Vernachlässigung in allen ökologischen Fragen, von sozialen Ungerechtigkeiten zwischen offiziell Gebildeten und positionierten oder ungebildeten mächtigen Klassen bis hin zur Skrupellosigkeit gegenüber der natürlichen Umwelt. Es scheint, dass die Älteren die Probleme erkennen, aber junge Generationen, die mit Smartphones und sozialen Netzwerken aufgewachsen sind, selbst einen Sturm nicht als normalen Ablauf natürlicher Prozesse wahrnehmen. Sie empören sich erst, wenn der Strom ausfällt und ihre Akkus leer sind. Vielleicht schauen sie dann aus dem Fenster oder spazieren durch die Umgebung. Vielleicht erleben sie diese hinterfragende Landschaft als Warnung vor der Entfremdung von der Natur.

   Josefine Pytlik präsentiert sich mit einer Installation bestehend aus einem Objekt und einer Performance. Die Künstlerin ist auffällig und passend gekleidet – in einem Outfit, das in Teilen an ein Brautkleid erinnert und somit eine Feierlichkeit assoziiert. Sie schreibt an die Wand der Galerie mit roter Farbe, die Opferbereitschaft, einen weiblichen Zugang oder die Auseinandersetzung mit Feminismus symbolisieren könnte. Die Rosen, die sie während der Aktion auf dem weißen Untergrund trägt, verweisen ebenfalls auf Zartheit und Sensibilität. Sie sind jedoch nicht rot und auch keine Nelken – somit lässt sich die Arbeit nicht mit revolutionären Ideen assoziieren.

   Ein Kniebänkchen ist Teil der Installation, darauf liegt ein Text, vermutlich mit aktivistischem Inhalt. Vielleicht vermittelt die Aktion eine Idee des Protests oder möchte Aufmerksamkeit auf das weibliche Prinzip lenken. Wir wissen nicht, was die Künstlerin an die Wand schreiben, zeichnen oder zeigen wird – doch bereits die aufgezählten Elemente wirken provokativ. Die Kombination aus ihrem auffälligen Kostüm, den Rosen, der Schrift und dem Kniebänkchen rechtfertigen den Titel der Arbeit: „I must confess I still believe“. Dabei muss die Intention des Werks jedoch nicht unbedingt mit verkündeten religiösen Dogmen verbunden sein – vielleicht steht sie sogar in völligem Gegensatz dazu.

    Christine Rieck-Sonntag erinnert uns hervorragend an eine archaische Kommunikationsform, die Post. Es scheint, dass sie und Anastasija Tonkova Werke wie Postkarten ausgetauscht haben. Diese Artefakte, alle kleine bildnerische Werke, hängt die Künstlerin fantasievoll mit Wäscheklammern an eine Schnur. Die Reihenfolge kann chronologisch oder zufällig sein. Darin finden wir vielfältige bildnerische Artefakte, wahrscheinlich Ausdrücke momentaner persönlicher Zustände, Eindrücke und Gedanken der beiden Künstlerinnen. Es gibt malerische, grafische, textuelle, portraitartige, manchmal collagierte Ausdrücke. Diese Kommunikationsweise weckt Erinnerungen. Wir müssen uns daran erinnern, wann wir selbst jemandem einen Brief, ein Telegramm oder eine Postkarte geschickt haben. SMS, WhatsApp, Facebook oder Instagram-Nachrichten haben die physische Kommunikation ersetzt. Persönliche Kommunikation ist veraltet, obwohl nur ein direktes Gespräch bei einem Kaffee oder einem anderen Getränk den Moment und die zwischenmenschliche Beziehung besser ausdrücken kann. Ich glaube, dass ein direkter Blick und ein ausgesprochener Satz viel reicher sind als alle stets oberflächlichen Internetkommunikationen.

    Markus Rittinger präsentiert ein dreidimensionales Werk in Form eines unregelmäßigen Würfels. Aus einer Bronzelegierung gefertigt, stellt das Werk einen monolithischen Granitwürfel dar. Der Künstler nennt es „Zerfall“. Die unregelmäßigen und rauen Kanten setzen sich auch auf den Flächen fort. Die Gestaltung bietet ein künstliches Objekt, jedoch mit der bewussten Beibehaltung der Idee einer natürlichen, spontanen Oberflächentextur. Der Rhythmus wird sowohl durch die Kanten als auch durch die Texturen auf den Flächen erreicht. Der Künstler stellt uns Fragen. Kann dieses Objekt bei Protesten gegen Regime verwendet werden (als Wurfgeschoss!) oder ist es eine Reminiszenz an früher gepflasterte öffentliche Flächen? Die Assoziationen gehen weiter: Möglicherweise repräsentiert dieses Objekt die Idee von Formen moderner Ressourcen, seltener Mineralien wie Kupfer, Nickel, Lithium, Kobalt, um die diskret oder offen große Mächte und ihr mächtiges Kapital kämpfen.

    Wolfgang Rösler gestaltet ein räumliches Werk mit dem Titel „Freier Durchgang“. Das Werk besteht aus einer langgezogenen, halbkreisförmigen, amorphen Form, die an ein zerdrücktes Hufeisen erinnert. Sie ist an beiden Enden auf eine Unterlage gestützt. Dies ist keine Uroboros-Schlange, die ihren eigenen Schwanz frisst, ein Symbol der Alchemie für Ewigkeit aus antiken Zeiten. Dies ist ein Schrei, eine Geste der Unmöglichkeit, die eigene Persönlichkeit zu verwirklichen. Aus einer glatten quadratischen Unterlage erhebt sich in der Mitte ein ebenfalls regelmäßiges Quadrat, das vertikal zur Horizontalen steht. Die amorphe Form scheint durch den vertikalen Teil hindurchzugehen und assoziiert einen Körper, der eine vertikale Barriere durchbricht. Diese suggestive Skulptur lokalisiert in der heutigen, als Demokratie proklamierten Zeit symbolisch, aber dramatisch das Individuum, das in einer Zeit aufgezwungener Regeln, die keine persönliche Meinung erlauben, versucht, die Barrieren der Ignoranz und Isolation aufgrund nicht konformer Meinungen mit der herrschenden Macht zu durchbrechen. Diese Skulptur könnte ein Denkmal der jüngeren Zeit werden, gewidmet allen Opfern des Widerstands gegen die Einförmigkeit der Meinungen. Dieses außergewöhnliche Werk könnte auch als Modell für eine Skulptur in deutlich größeren Dimensionen dienen.

   Petra Schunk bietet für diese Präsentation ein Foto an. Sie nennt es „Freie Bahn für das Reinigungsteam“. Der dokumentierte Raum ist ein Zelt, ein improvisierter Ort zum Trinken. Die Bänke sind aufgereiht, und man sieht den Standort oder den Namen eines Herstellers alkoholischer Getränke. Die Größe des Raums und die Anzahl der Tische und Bänke zeugen von einer massenhaften Zusammenkunft. Die Künstlerin scheint die Arten des Zusammenseins und der Kommunikation zwischen Menschen zu hinterfragen. Für die freie Zeit, die der Kapitalismus und die Profitgier den einfachen Menschen gelassen haben, wird massenhaftes Zusammensein mit oberflächlichem Vergnügen und Trunkenheit angeboten. Es bleibt keine Zeit für persönliche Reflexion, ruhige oder kreative Entspannung, sondern Konsum wird sofort als Ausweg zu einer falschen Entspannung angeboten. Die Frage stellt sich: Ist dieses Symbol des Konsumismus nach der Dokumentation tot oder erst recht lebendig geworden?

   Hari Sedlmeier präsentiert collagierte fotografische Werke. Vor uns stehen zwei Gruppen von Aufnahmen, die die Gegenwart an einem entfernten Ort hinterfragen. Die Werke tragen den Titel „Stopp und Geh / von der dunklen Seite der Alpen / zur hellen Seite des Meeres I. und II.“. Das erste Werk assoziiert die Idee von Erwartungen, obwohl wir im unteren Teil der Collage auch ein Verbotsschild für Halten und Parken sehen. Diese Zeichen verweisen auf Direktiven und Anforderungen, eine Art Katz-und-Maus-Spiel. Sie fordern Gehorsam und Demut, trotz der Freude, die der Titel des Werks suggeriert. Das zweite Werk scheint den Zustand „…auf der hellen Seite des Meeres“ darzustellen. Hier sehen wir Schatten, aber auch symbolische Figuren von Menschen an der Küste dieses Meeres. Neben Motiven des Blaus und Figuren, die sich nach der Ankunft am gewünschten Ziel zu entspannen versuchen, finden wir auch Verbote, den Schriftzug „Ohne Zuhause“ und Aufnahmen von gestapelten Benzinkanistern. Diese dargestellten Situationen hinterfragen subtil die Wünsche und Hoffnungen der Besucher, die wir Touristen nennen, sowie das Angebot der Menschen, die am Meer leben und durch Missverständnisse der Wünsche überhöhte Preise für Dienstleistungen und Verbote auferlegen. Hervorragende Werke, die sowohl die Gäste als auch die Gastgeber einer großen Anzahl von Menschen hinterfragen, die einfach die Vorzüge des Mittelmeers genießen möchten.

   Angelika Sobeck-Kistner präsentiert zwei Werke. Eines nennt sie „Fähre“, das andere „Obwohl es sehr eng ist“. Auf dem ersten, ausgeführt in Acryl auf Leinwand, finden wir ein Detail eines Treppenhauses und der Konstruktion der Fähre für den Transport von Fahrzeugen und Menschen. Die kühlen Linien und Flächen der Metallkonstruktion sowie deren Beziehungen ziehen die Aufmerksamkeit der Künstlerin auf sich. Sie zeichnet einen Ausschnitt auf, der uns an den Rand des Schwindels führt. Die Elemente überlappen sich, und die linearen Formationen verführen den Blick. Dennoch ist die Komposition stabil und meisterhaft ausgeführt. Das zweite Werk ist etwas rätselhafter. Es scheint, als fordere die Künstlerin den Betrachter auf, persönliche Eindrücke zu erforschen. Der Titel hilft uns nicht viel, bietet aber eine Assoziation. Es ist, als lade die Künstlerin uns ein, einen engen Durchgang zu betreten, ohne anzudeuten, was uns erwartet, wenn wir uns entscheiden, ihrem angebotenen Pfad zu folgen. Dieser Durchgang könnte die Durchlässigkeit von Erscheinungen darstellen. Zwei Reihen von säulenartigen Formationen enden in einer perspektivischen Anordnung kurz vor der Vereinigung. Im Vordergrund befindet sich eine weitere mögliche Barriere, die die Komposition schräg durchschneidet und an ein Geländer mit einer geschlossenen Umzäunung darunter erinnert. Es scheint, als ahnte die Künstlerin bereits 2017, als das Werk entstand, die allgemeine Schließung von Durchgängen zwischen Menschen und Informationen. Heute sind wir Zeugen eines Angriffs des Konsumismus, aber auch der skrupellosen Zerstörung der Mittel- und Unterschicht, die nur Konzerne und Besitzer großen Kapitals an der Macht lässt. Es scheint, dass uns ein Kampf um das eigene Überleben bevorsteht.

   Severin Zebhauser präsentiert ein einfaches Werk, dessen Titel keine Bestimmung verrät. Er nennt es „Ohne Titel“, sodass dem Betrachter klar ist, dass er es selbst erlebnismäßig bestimmen muss. Es handelt sich um ein Objekt von beträchtlichen Dimensionen, insbesondere in der Höhe, ausgeführt aus Sand, Bitumen und Markierungsband. Die Dunkelheit des Objekts steht im Kontrast zum gelben Band. Dieses markiert meist ein Verbot, es sei denn, es dient als Halterung bei Arbeiten. Gelbes Band, z. B. im Verkehr, markiert eine Grenze, eine symbolische Barriere. In diesem Sinne können wir auch dieses Werk erleben, wo das Band vertikal dargestellt wird. In der heutigen Zeit ist es nicht ungewöhnlich, anzunehmen, dass der Künstler die Verbote hinterfragt, deren Zeugen wir sind. Künstler sind sich bewusst, dass die Zeit, in der wir leben, Rahmenbedingungen vorgibt. In einigen müssen wir teilnehmen, in anderen wollen wir es nicht. Die Moderne, die wir Kapitalismus nannten, entwickelt sich in Richtung Technofeudalismus.